31 agosto 2009

Hoy se inicia el 26º Concurso Escolar de Música Nueva Acrópolis

(Publicidad) Momentos de suspenso, entusiasmo y compañerismo se vivirán desde hoy en el Teatro Peruano Japonés, donde más de 7 mil niños y jóvenes de inicial, primaria y secundaria participarán en el 26° Concurso Escolar de Música Nueva Acrópolis. Trajes coloridos y danzas acompañarán la presentación de: bandas, coros, conjuntos folklóricos, agrupaciones de violines, cajones, flautas y grupos de jazz, en un gran despliegue de arte y talento juvenil.

Este concurso que tiene como objetivo promover la práctica musical como una vía para el desarrollo de valores y capacidades en los más jóvenes, en 26 años, ha beneficiado a más de 480 mil escolares. Además, por la calidad de interpretación de sus participantes, ha sido calificado a nivel de concierto por autoridades de la música, convirtiéndose en un gran estímulo para el desarrollo de grandes músicos a nivel internacional como es el caso de nuestro tenor Juan Diego Flórez, el Maestro Fernando de Lucchi, actual Director del Conservatorio Nacional de Música; el reconocido guitarrista Javier Echecopar; Joe Rodríguez, músico creador del proyecto “Orquesta de Barro”; Marco Antonio Mazzini, el clarinetista peruano que integró la Orquesta Sinfónica de You tube y muchos más.

El Concurso de Música Nueva Acrópolis - Lima se realizará del 31 de agosto al 11 de setiembre, desde las 5:50 p.m. en el Teatro Peruano Japonés. Asimismo, la presentación y premiación de ganadores se realizará los días 23, 24 y 25 de setiembre, desde las 5:00 p.m. en el mismo lugar.

Aspectos importantes del Concurso de Música Nueva Acrópolis

· Alentando el talento: Músicos de la talla de Juan Diego Flórez han pasado por este evento.
· Formando en valores: En 26 años, más de 480 mil escolares han recibido los beneficios de la práctica musical
· Difundiendo la cultura en diversas ciudades del Perú: Lima, Trujillo, Arequipa, Chiclayo y Cajamarca.
· Elevando el nivel de interpretación musical en nuestro país: Música a nivel de concierto
· Uniendo voluntades: Una obra realizada por cientos de voluntarios

Mas informacion en www.acropolisperu.org/

Desde Bayreuth: Götterdämmerung


La ultima parte de la Tetralogia Wagneriana, en directo en una grabación de 1961 y un reparto de ensueño. Así cerramos el festival Wagner en Opera Perú.


Richard Wagner
GÖTTERDÄMMERUNG


Acto 3

Bayreuther Festspiele
30 julio 1961

Siegfried - Hans Hopf
Brunnhilde - Birgit Nilsson
Gunther - Thomas Stewart
Hagen - Gottlob Frick
Alberich - Otakar Kraus
Gutrune - Wilma Schmidt
Waltraute - Grace Hoffman
Erzte norn - Elisabeth Schartel
Zweite norn - Grace Hoffman
Dritte norn - Regine Crespin
Woglinde - Inga Moussa-Felderer
Wellgunde - Elisabeth Steiner
Flosshilde - Elisabeth Schartel

Orquesta y Coro del Festival de Bayreuth

Director - Rudolf Kempe

Juan Diego vuelve al Callao

En este articulo de El Comercio, Ernesto Palacio cuenta lo que sera el megaconcierto que dará JDF el próximo 14 de noviembre. También habló de la ampliación del Festival Granda.

(Via El Comercio. Errores corregidos por Opera Perú)

EL TEATRO MIGUEL GRAU DEL CALLAO ALBERGARÁ EL CONCIERTO DE ARIAS Y MÚSICA POPULAR QUE EL TENOR PERUANO OFRECERÁ EL PRÓXIMO 14 DE NOVIEMBRE

En un comienzo, se especulaba que el mejor lugar para escuchar a Juan Diego Flórez en el Callao sería en la fortaleza del Real Felipe. Sin embargo, problemas de infraestructura y la incapacidad del recinto para albergar a más de 8 mil personas hicieron mirar en otra dirección. Como nos explica el tenor y agente Ernesto Palacio, representante de Juan Diego, se ha decidido que el estadio Miguel Grau del Callao, que puede albergar cómodamente a 16 mil personas, es el local escogido para que el divo se reencuentre con su público el próximo 14 de noviembre.

En el concierto, Juan Diego invitará a escena para cantar a dúo a los intérpretes Magaly Solier, Pedro Suárez Vértiz y Gian Marco Zignago. El repertorio incluirá arias de “Werther”, de Jules Massenet, y de “Guglielmo Tell”, de Rossini, temas de zarzuela, además de canciones populares latinas y peruanas. Los acompañará la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por el maestro español Álvaro Albiach.

GRANDA SE AGRANDA

Asimismo, Palacio adelanta que para el próximo año el Festival Internacional de Opera Alejandro Granda del Callao se ha propuesto ser aun más ambicioso. Se presentarán dos títulos: “Norma”, de Bellini, y “La Favorita”, de Donizetti. “Estamos reuniendo dos elencos muy interesantes”, adelanta Palacio. En efecto, la diva italiana Daniela Barcellona vuelve a Lima para cantar ambas óperas, y la acompañarán figuras tan importantes como el tenor ruso Dmitry Korchak.

Y eso no es todo, para el 2011, se tiene programada una memorable temporada de “El barbero de Sevilla” de Rossini, con Juan Diego Flórez, y una espectacular Misa de Réquiem de Verdi. Al año siguiente, llegará a Lima la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, con su director Gustavo Dudamel, para acompañar a Juan Diego Flórez. Un lujo.

30 agosto 2009

Jane Eaglen: “Cantar Wagner es como volver a casa”

Por José Noé Mercado

(Via Pro Ópera)

Si se considera la heroicidad, la histeria, el dramatismo de los personajes que interpreta, uno esperaría encontrarse a una mujer intensa, irritable y freak, con lanzas, pócimas y cuernos a la mano. Pero no. Nada más contrario. Ella no es así.

Jane Eaglen es un caramelo. Una mujer risueña, tierna, muy atenta y cordial en su trato, en su plática avalada por una carrera lírica internacional de primera línea. Es enorme, voluminosa, dónde le cabría esa voz y talento si no.

Es sencilla pero fresca y correcta en su vestir. Usa gafas ovaladas. Destellan atrás unos ojos con ingenio, que de alguna forma ilustran todo lo que dice. Está frente a mí. Estamos en Guadalajara, Jalisco. “Estoy muy contenta por estar aquí. La gente ha sido muy amigable y me emociona muchísimo la idea de cantar una gala Wagner en México”.

De los 5 a los 16 años de edad, Jane Eaglen (Lincoln, Inglaterra, 4 de abril de 1960), estuvo en contacto con el piano. “Sí, al principio, estudiaba para ser pianista y quería, tal vez, ser directora de orquesta. Pero nunca le dediqué mucho tiempo y, la verdad, no me gustaba tanto estudiar piano. A los 17 años de edad empecé a probar de lleno el canto. Como tenía el gusto por cantar y por la actuación, esas dos pasiones no tardaron en mezclarse para que me enamorara de la ópera”.

Cómo es una voz “wagneriana” en la infancia. Cómo se sabe si se está frente a una voz dramática en la adolescencia, le pregunto. “Yo pienso que vocalmente soy muy fuerte y que es una característica con la que se nace. Creo que también se puede desarrollar, pero en mi caso seguramente tiene que ver con algo que me cuenta mi mamá: cuando yo era chiquita me podía pasar llorando horas y horas y horas. Supongo que así empezó todo para mí”.

Jane se ríe. Hace contacto. Luego continúa con seriedad: “A los 18 años de edad, tuve la suerte de encontrar un excelente maestro de canto, Joseph Ward, profesor del Royal Nothern College of Music, en Manchester. Cuando llegué con él, yo cantaba como un niño soprano, pero a las dos semanas de estar en sus clases me dijo: tú un día vas a cantar Brunilda. Me considero muy afortunada porque mi maestro supo encontrar mi verdadera vocalidad. Y es que es muy peligroso cuando se quiere contener una voz muy grande, como la mía. La gente, los maestros, normalmente se asustan con una voz tan grande y tratan de retenerla. Mi maestro supo dejar salir esa voz sin retenerla para no dañar mi instrumento”.

Eaglen se unió en 1984 a la English National Opera. Ahí participó en producciones de La flauta mágica, El barbero de Sevilla y El trovador. Luego fue seleccionada para cantar en un Don Giovanni en la Scottish Opera, en lo que sería su catapulta internacional. Ahí mismo vinieron los protagónicos de Tosca y Norma, mismo rol con el que debutaría, en 1994, en Estados Unidos, en Seattle.

Desde entonces, además compartir el escenario con los cantantes más prestigiados del orbe, ha cantado bajo la batuta de directores como Daniel Barenboim, Zubin Metha, Ricardo Chailly, Ricardo Muti, Claudio Abbado, James Conlon, Bernard Haitink, James Levine y muchos más, en los teatros y festivales más relevantes del mundo.

“El repertorio que fui siguiendo fue el que mi voz fue capaz de hacer. Todo el tipo de repertorio que mi voz fue capaz de cantar. No la encasillé ni dije: voy a ser wagneriana o verdiana o belliniana. Internacionalmente, debuté con Donna Anna y me sirvió mucho para proyectarme. La canté en diversos teatros, en varios países. De ahí fui abordando cada vez roles más pesados, hasta llegar a Wagner”.

Qué va primero en este repertorio, interrumpo pensando en la Brunilda que debutó en 1996 en Chicago y su Isolda en Seattle en 1998, misma que cantó en Chicago en 1999 y en el Metropolitan de Nueva York en 2000. “Depende mucho de cada voz en particular. Yo abordé primero Brunilda. Pero quizás lo más aconsejable sea Elsa de Lohengrin, Elisabeth de Tannhäuser, quizás Siglinda de Valquiria. Con Brunilda e Isolda hay que ser más cuidadosos y esperar hasta estar listo física y vocalmente.

“Cuando yo era joven, siempre mantuve la inteligencia para saber decir no. Con el rol con el que más me esperé fue Turandot. Algo que siempre les digo a mis alumnos es que deben aprender a decir no. Si te quieren en este momento, les hago ver, te van a querer también más adelante cando tu voz esté ahí, madura y en forma, sin el riesgo que implicaría abordar roles muy pesados a una edad temprana”.

Decido ahondar en su faceta docente, en su pedagogía, ya que ella la ha sacado a la plática. Actualmente, a la par de sus presentaciones, enseña como artista residente en la Universidad de Washigton, además de participar en diversos programas para jóvenes talentos en Seattle, San Francisco y Cardiff.

-¿Es complicado encontrar un buen maestro vocal?

-No es tan sencillo. Yo creo que es muy complicado encontrar un buen maestro de canto, o uno maravilloso que te enseñe la técnica. Es tan difícil como encontrar a tu pareja. Yo les digo a mis estudiantes que hay mil maneras de hacer las cosas en el canto, se las enseño, pero al mismo tiempo les digo que yo no las puedo hacer por ellos. Ellos tienen que hacerlas solos. Por eso creo que lo más importante para enseñar es haber cantado y muy bien.

Yo, por decirte algo, aprendí mucho cuando cantaba al lado de Luciano Pavarotti viendo su boca, su cara, entendiendo lo que hacía. Pero, en la realidad, en la enseñanza del canto hay muchas cosas que enseñan maestros que nunca cantaron o que nunca cantaron bien ellos mismos. Por eso muchas veces no pueden ayudar a sus alumnos. Hay que haber cantado, y también se debe saber teoría vocal y musical, para poder enseñarle el camino a una voz.

-¿Hay crisis de voces en la actualidad? ¿Las voces dramáticas de raza se extinguieron?

-Es verdad. Estoy de acuerdo en que no se encuentran tan fácil voces dramáticas o wagnerianas como se encontraban antes. Yo estoy presente en muchos programas para jóvenes artistas y es verdad: no siempre se encuentran voces dramáticas. Y, como ya decíamos, cuando un maestro se encuentra una se asusta con esa voz tan grande. Como maestra, tengo esa fortuna de que me llegan voces grandes. Y, bueno, estoy trabajando con ellas. Porque es muy importante la edad: a los 21 años no canté Brunilda. Hay que esperar. Hay que tener cuidado y no abordar todo ese repertorio que se podría cantar por facultad, pero que en el fondo es muy dañino a temprana edad. Además, aunque puedas cantar esos roles dramáticos, cuando eres muy joven, no suenan como deberían sonar.

¿Cuántas funciones debería o podría cantar al año una voz dramática?

-Es una muy buena pregunta. Creo que un buen promedio está entre 60 y 65 funciones al año. Es un número estándar, que obviamente varía en cada cantante, porque debes considerar todos los ensayos que tienes que hacer para cantar una función. A veces tienes que ensayar seis semanas para una sola presentación. Hay gente que hace más funciones, hay otra que hace menos. Y, bueno, en mi caso también es complicado porque actualmente ya no me gusta estar tanto tiempo fuera de casa. Seis semanas fuera es demasiado para mí.

Sobre este aspecto, también es muy importante cantar las obras que seas capaz y no las que en teoría le corresponderían a tu tipo de voz. Por ejemplo, hay diferencia entre una voz que se escucha cubierta y encima de la orquesta, lo que sería una cualidad dramática, y otra que solamente se escucha por la punta, por los picos de brillo entre la orquesta, pero que no cubre un espacio acústico ni se sobrepone a la sonoridad orquestal inmensa. Las voces dramáticas no sólo debemos escucharnos, sino que debemos llenar de color un espacio sonoro.

-A veces se piensa que las voces dramáticas, incluyendo las wagnerianas, por definición son poco bellas o, incluso, feas y ásperas. Pero su voz no es fea, es, de hecho, agradable y con toques de dulzura aún dentro de su fuerza. ¿Cuál es su opinión?

-La calidad siempre es más importante que la cantidad. Por eso lo relevante es que nunca estés forzado al momento de cantar. Una voz se escucha fea siempre que quiere forzar y compensar la falta de color o de volumen que se tiene.

En mi caso, no hay ninguna necesidad de forzar y puedo cantar con soltura, como si fuera belcanto. Si me escuchaba o no en algún teatro, en realidad no me importaba mucho: yo cantaba como debía cantar, de acuerdo a mi técnica. Muy como Kirsten Flagstad, que tenía una voz muy femenina y bella.

-Un aspecto que distingue a Jane Eaglen es su versatilidad. Ése es un aspecto interesante de su carrera. Mozart, Verdi, belcanto, compositores alemanes. ¿Cómo puede transitarse con propiedad en repertorios diversos?

-Yo creo que los estilos o los compositores pueden ser distintos. Sí. Pero la técnica con la que cantas es una sola. A mí me gusta vocalizar con Mozart, si voy a cantar Wagner. O, si voy a cantar Mozart, vocalizo con Wagner. De esa manera, la voz se mantiene flexible en todo sentido. Es una misma técnica, y lo que cambia son los colores que utilizo, las intenciones que le doy a una frase o a toda una obra. Lo importante es que tu voz desarrolle y mantenga esa flexibilidad para hacerlo.

La coloratura suele ser muy complicada para algunas voces dramáticas. Pero sí puedes tener una voz grande con coloraturas si eres capaz de aligerar un poco la voz. Si practicas, se puede lograr. Las agilidades se complican sólo si no eres capaz de modificar esa línea enorme y robusta que requiere cierto repertorio.

Yo parto de la partitura siempre. Eso me da todo el conocimiento que requiero acerca de la interpretación y el estilo. Respeto mucho lo que escribió el compositor, porque ahí está la clave para poder entender, por decir un ejemplo, el cambio de Brunilda de una adolescente a una mujer madura y formada”.

-Sabemos de su gusto por Birgit Nilsson. ¿A quién más suele escuchar?

-Sí, me gusta mucho Birgit Nilsson. Me gusta escuchar también a Kirsten Flagstad, la número uno. Me interesa la parte interpretativa de Maria Callas. Escucho a George London, a Jon Vickers. Hay muchos cantantes que me gustan, aunque de momento no se me vienen todos a la mente.

-Sobre los colegas con los que comparte el escenario, ¿qué puede decirnos? ¿Le falta participar con algún artista de importancia en el repertorio en que se mueve o en algún teatro determinado?

-Una de las ventajas de cantar Wagner es que siempre te topas con las mismas personas. Con James Morris, por ejemplo, hace tiempo me tocó hacer una Brunilda y nunca pudimos ensayar. Pero ya en la producción nos pusimos de acuerdo y fue muy sencillo entrar de lleno al escenario sin haber ensayado. Eso me sucede con muchos compañeros con quienes me topo en el mismo elenco en diferentes producciones.

Creo que no hay algún director importante con el que me falte trabajar. Ni tampoco compañeros en el repertorio en que me desempeño. Soy muy afortunada por desarrollar una carrera en la que he cantado con todos los artistas importantes de nuestra época. Por otro lado, a estas alturas ya no me importa mucho dónde voy a cantar, sino qué voy a cantar. Ahora ya me puedo dar ese lujo, el de cantar lo que yo quiero.

Por ejemplo, el programa que seleccioné para Guadalajara, lo podría hacer fascinada en cualquier otra parte del mundo.

-También ha grabado mucho y, en ese sentido, en nuestro tiempo es, de alguna manera, referencial.

-Es muy simpática esa situación. No me parece que las grabaciones sean muy representativas de lo que es la voz de un cantante. Cuando yo me escucho, por ejemplo, siempre digo: ésa no soy yo. Porque, además, es muy complicado grabar voces así de grandes. Pero, de cualquier manera, es un honor para mí ser ejemplo para los demás. Aunque no sea mi mayor placer escucharme, la verdad, me siento contenta y afortunada de estar en cedé y devedé.

-¿En qué cambia su disposición artística para participar en un concierto, respecto de una ópera?

-Es muy diferente. Entre lo más difícil está encontrar el balance adecuado entre la orquesta y el cantante cuando estamos todos en el escenario. En lo particular, prefiero que la orquesta esté en el foso, aunque también es complicado porque muchas veces no escuchas todo lo que está pasando ahí. Se pierde mucho. Por ejemplo, en Bayreuth, en que el foso está de alguna manera cubierto, el cantante no escucha del todo lo que ahí está ocurriendo.

Por otra parte, es más fácil sentir la evolución del personaje cuando estás cantando una ópera completa. De esa manera vas llegando completa con todo el contexto que le rodea a tu personaje, con todo lo que le ocurre. Cuando estás en un concierto, tienes que cambiar muy rápido las emociones de un personaje a otro y eso es muy complicado.

-¿Tiene rituales antes de salir al escenario?

-No tengo un ritual ni nada parecido. Cuando llega el día de la función simplemente trato de estar muy tranquila. Me gustan mucho los videojuegos y suelo jugar en la computadora para estar relajada. Antes escuchaba mucha música de rock, a Whitney Houston, otros géneros para estar tranquila y salir al escenario lo más relajada posible.

-¿Qué viene en el futuro, digamos a mediano plazo, para su carrera? ¿Vendría a México para una ópera completa?

-En el futuro quiero hacer más obras de Strauss, tal vez, ya que vocalmente es muy similar a Wagner. Pero estoy muy contenta y feliz con Brunildas e Isoldas. Son roles que canto desde hace mucho tiempo, que puedo seguir cantando, y que me han dado notoriedad en el mundo. De alguna manera, son roles que me hicieron grande. Me gusta mucho cantar Bellini, Mozart, Verdi, pero si hay un compositor que me haga sentir en casa es Richard Wagner. Por eso, aunque aborde otros repertorios, cantar Wagner es como volver a casa.

Con la actual situación económica, los teatros, la gente, ya no están contratándote con tanta anticipación, como se hacía antes. Ahora estoy cantando un poco menos ópera porque estoy un tanto cansada de viajar tanto.

Próximamente estrenaré una ópera nueva en Seattle, compuesta especialmente para mi voz. No puedo decir mucho aún, porque todavía está en proyecto y yo misma no lo conozco bien. Me gusta la ópera contemporánea, aunque muchas veces está mal escrita para la voz. Espero que ésta sí esté bien compuesta.

Estoy muy contenta de estar en México. Espero que ese tabú de que la ópera wagneriana es aburrida y cansada cambie un poco. Ésa es mi idea. Ojalá mucha más gente conozca y escuche la música de Wagner. Y, por supuesto, estaría encantada de regresar a México para una ópera completa. Estoy abierta, me haría muy feliz recibir una invitación.

El autor agradecen profundamente la valiosa ayuda del bajo Salvador Rivas Silva para la realización de esta entrevista.

28 agosto 2009

Gran recepcion de "Attila" en el CCE


Este miercoles se presento "Attila" por primera vez en video en el CCE, con la presentacion de Miguel Molinari. El publico la pudo disfrutar, tanto en el auditorio como en el patio central del CCE.

Este domingo veremos de la misma forma "Doña Francisquita" desde las 5:30 pm.




Andrés Rodríguez en Lima


El director general del Teatro Municipal de Santiago, Andrés Rodríguez, vino a lima para ver "La Traviata". Allí lo encontré y me contó sobre su relación con el Perú y las novedades que llegaran a Santiago la próxima temporada.

Andrés Rodríguez es director general y encargado de poner en marcha la gran temporada de opera del Teatro Municipal de Santiago de Chile, hoy por hoy, el teatro mas importante de latinoamerica en termino de calidad de elencos, títulos e infraestructura. La ultima temporada 2009 Santiago pudo disfrutar de grandes titulos con puestas ambiciosas, como "La Traviata", "Tristan e Isolda", "Lady Macbeth of Mtsensk" y "Pescadores de Perlas" con elencos de roce mundial como Norah Amsellem, Jon Fredric West, Petra Lang, Dimitry Korchak.

Ademas, Santiago a disfrutado con la interpretacion de las mas grandes figuras durante los últimos años. Por mencionar algunos: Leo Nucci, Dolora Zajick, Dimitra Theodossiou, etc.

Aqui la entrevista en audio

26 agosto 2009

Lo Mejor del Met en setiembre. Entradas ya están a la venta


La boleteria de UVK Multicines Larcomar ya está abierta para que compres tus entradas para las Pre-Temporada "Lo mejor del MET". acuérdate que los cuatro títulos se darán a partir del sábado 5, todas las fechas al mediodía. Compra de una vez para todas o solo las que quieras, porque se van a agotar rápido.

Sasha Rozhdestvensky en Lima, listo para el concierto

TRIPLE CONCERTO. Sasha junto a Enrique Colmenares
y Grete Arce en Radio Filarmonia

Sasha llegó y empezó ensayos con la Orquesta de la Ciudad de Los Reyes, con las que nos regalara el increíble concierto para violín y orquesta del homenajeado Felix Mendelssohn-Bartholdy.



Considerado uno de los jóvenes violinistas más destacados de Rusia, Sasha es embajador de la Stradivarius Society, por lo que toca el violín Haddock, instrumento musical de Guarneri del Gesù de 1734, que la Stradivarius Society ha tenido la gentileza de prestarle.

Ha obtenido una clamorosa crítica a nivel internacional como intérprete solista, con orquestas tan reputadas como la Leningrad Philharmonic, The Philharmonia, L.S.O., R.P.O., Royal Stockholm Philharmonic, Israel Philharmonic, Ensemble Orchestral de Paris, The Yomiuri Nippon Symphony Orchestra, Het Residentie Orkest, Bamberger Symphoniker, The Deutsches Symphonie Orchester, The Bayerische Staatsorchester, The Tonhalle Orchester Zurich, Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Orquesta della Scala, The Toronto Symphony Orchestra, The Detroit Symphony Orchestra, The Boston Symphony, entre otras formaciones musicales.

Tiene una extensa discografía grabada con los sellos Thesis y Chandos, que incluye el Concerto Grosso núm. 6 de Schnittke interpretado con la Royal Stockholm Philharmonic. Estrenó este concierto, que Alfred Schnittke compuso especialmente para él y para Viktoria Postnikova, en 1994.

Ha participado en numerosos Festivales internacionales, incluyendo Proms, Tanglewood, Schleswig-Holstein, Flanders, Gstaad, Istanbul, Colmar, Ravinia, Florida, Mozart (La Coruña), Taormina, Sienna, Lockenhaus, Montreux ….También ha tocado en salas tan prestigiosas como el Carnegie Hall New York, Barbican and Festival Hall London, Concergebouw Amsterdam, Suntory Hall Tokyo, Salle Gaveau y Théâtre du Châtelet de Paris, Mann Auditorium Tel-Aviv, La Scala Milan, cosechando siempre grandes éxitos.

A lo largo de estos últimos años, Sasha Rozhdestvensky ha tocado con la Nacional Symphony Orchestra of Ireland (Dvorak), con la Detroit Symphony Orchestra, el poco conocido concierto de Kancheli “ And Farewell Goes Out Sighing...” , con la Royal Stockholm Philharmonic, Bamberger Symphoniker, National Polish Radio Symphony Orchestra, Toronto Symphony Orchestra, Boston Symphony Orchestra (Sibelius Humoresques), el concierto de Glazounov con la Orchester der Beethovenhalle en Bonn, el Concierto para violín núm. 2 de Dohnanyi con la Budapest Festival Orchestra, y su concierto con la Malaysian Philharmonic Orchestra en Kuala Lumpur bajo la batuta del Maestro Gérard Schwarz con el concierto de Strauss...

Para la temporada en curso, Sasha Rozhdestvensky interpreta Sibelius en el Bratislava Fetival, Glazunov y Mendelssohn bajo la dirección del Maestro Simonov en una gira por España, Tchaïkovsky, gira por Reino Unido, con la State Symphony Capella of Russia bajo el M°. Polyansky.

Ha grabado recientemente el Concierto para violín núm.1 de Shostakovitch y el Concierto de Glazounov bajo la batuta de su papá, el famoso maestro Gennady Rozhdestvensky.

Renée Fleming canta verismo

25 agosto 2009

"Attila" de Verdi en pantalla gigante, este miércoles 26 en el CCE


Por primera vez desde su estreno en el Callao, Lima verá en diferido la ópera "Attila" uno de los eventos mas importantes de la ópera que Lima recuerde. La proyección se hará en el auditorio del Centro Cultural de España, así como en pantalla gigante en el patio central, y en el televisor LCD dentro del centro.

El invitado de esta fecha será Miguel Molinari, quien nos contará un poco de los detalles de esta producción. La presentación empezará hacia las 7:50 y la proyección, que dura dos horas, empezará a las 8 pm. Se podra seguir la transmisión de esta ópera en directo por audio a través de la pagina web www.ccelima.org

Emilio Montero habla de la produccion de "Elixir de Amor"

Emilio Montero, figurinista de las temporada de opera de Lima, organisada por Romanza, asume esta vez el reto de montar en escena la regia de una opera, y de manera atrevida, pues sera el encargado de dirigir la primera transposicion de una opera universal a un ambiente peruano.

Aquí su visión de esta producción que veremos a partir del 29 de agosto en el Teatro Segura. Compren que se acaban!!

24 agosto 2009

Festival de Ópera en el CCE este lunes 24


Este lunes continuamos con el Festival de Opera en el CCE. La tercera fecha viene con la exposición "La Masificación de la Opera: Cuando la opera dejo los teatros". Veremos nuevas tendencias, nuevas formas de acceder al genero, y como este ha revolucionado al mundo lírico. La cita es en el Centro Cultural de España a partir de las 8pm.
El programa sera transmitido en vivo via internet por www.ccelima.org

Veramendi corre al reemplazo de Duarte en “La Traviata”

Este domingo 23, en la ultima función de Traviata, el tenor Carlos Duarte no pudo terminar el segundo acto, pues se sintió indispuesto (no comunicaron la causa). Antes de iniciarse el tercer acto, se hizo el anuncio de que lo reemplazaba el tenor nacional Andrés Veramendi.

Habrán sido las 8:30 pm, y el tenor estaba en Miraflores comiendo panqueques con el tenor José Marino y el barítono Norberto Marcos, ambos del elenco de "Elixir de Amor", cuando recibió la llamada urgente, de que lo necesitaban en el Teatro Segura. Partió volando y pudo llegar a tiempo (solo tuvo 20 minutos) para cantar el último acto junto a Ina Kancheva. En las cinco funciones, es la primera vez que ambos cantantes coincidian juntos, y al final dieron un gran resultado. El tenor Carlos Duarte ya estaba sufriendo desde su aria del acto 2 y fue notoria su molestia durante la escena de la casa de Flora.

Veramendi habia cantado su funcion pactada ayer sabado junto a Jacqueline Terry y Giuseppe Altomare, en una funcion que fue grabada.

Fue una satisfacción para el publico terminar con un acto cantado con gran nivel, y apoyado también por la excelente interpretación del barítono Karoly Szemeredy, quien proyecto una voz fabulosa, con muy pocas fallas, durante la noche de hoy. La orquesta y Coro tuvieron un buen momento en la ultima funcion de este titulo. Lo proximo sera "Elixir" que tendra su pre estreno el jueves 27, y estreno y primera funcion de abono el sabado 29.

23 agosto 2009

Un día de trabajo en Bayreuth

Ana Maria Martinez cayó en el foso de Glyndebourne

(OperaPeru - Agencias) Ocurrió en la tarde del viernes hacia el final del primer acto de la representación de "Rusalka" de Dvorak, cuando Martínez, que representa a Rusalka, una ninfa del agua, trataba de alejarse del príncipe del que está perdidamente enamorada, según informa hoy el diario 'The Times'.

Las piernas de la cantante se engancharon en la maquinaria escénica y Martínez trató desesperadamente de sostenerse sobre el escenario antes de caer de espaldas sobre la sección de cuerdas de la orquesta, según confirmó hoy a Efe una portavoz de Glyndebourne.

Los músicos acudieron en su ayuda y dos médicos hicieron inmediatamente acto de presencia después de que los responsables del teatro hicieran un llamamiento por los altavoces a la audiencia para que se presentara algún doctor.

A pesar de la que la cantante dijo sentirse bien para continuar su actuación, se decidió por precaución trasladarla al hospital a fin de que fuera examinada a fondo.

Martínez fue sustituida por la primera ninfa, Natasha Jouhl, a quien a su vez tuvo que reemplazar otra cantante, que se encontraba en Londres cuando ocurrió el accidente y que llegó a tiempo por tren para el tercer acto.

Tras ser examinada por los médicos, Martínez fue dada de alta del hospital y se encuentra reposando, explicó la portavoz del festival, quien expresó su esperanza de que la puertorriqueña, que ha recibido fuertes elogios de la crítica por su debut como 'Rusalka', pueda volver a cantar el próximo lunes.

El Barbero de Sevilla desde La Arena di Verona

Foto: Ennevi / Fondazione Arena di Verona.

Por Giosetta Guerra

(Via Pro Opera)

Un elenco excepcional, justo para las grandes ocasiones cantó en la Arena la opera mas conocida y representada de Gioachino Rossini, Il Barbiere di Siviglia con la bella y original puesta escénica de Hugo de Ana, que además de la dirección escénica, se encargó de los vestuarios y la iluminación. Un laberinto verde de altos paneles, semicircular, movible, giratorio, corredizo, que se abría y cerraba cuando fue necesario; enormes rosas rojas con largos tallos sobre los paneles, crearon una ambiente estilo “Alicia en el país de las maravillas”, largas escaleras en las cuales se apoyaban los paneles, hicieron la doble función de permitir la fuga organizada al final de la historia y a los personajes salir y descender.

Un cuadro con la imagen de la barbería se situó a la entrada de Fígaro, figurantes en cada escena, siempre danzando y en movimiento no dejaron nunca vacios los espacios en los extremos del escenario. La dirección escénica tendió a representar y dar movimiento a la música de Rossini, personajes en vestuarios y pelucas del siglo 17 entraron al inicio de la obertura y se colocaron como estatuas a los lados del gran escenario, y después realizaron pasos de danza, además que algunos de estos figurantes intervinieron en el coro.

Es cierto que el Barbero representa una jornada de jocosidad organizada, pero el movimiento esta ya en la música rossiniana y nada debe distraer el ritmo o la verve que de ella emana, así, la función fue divertida y movida, con animación y gags de todo tipo. Bartolo figura central de la opera, autor y victima de los eventos que se desarrollan de manera jocosa, tuvo la comicidad de un artista del calibre de Bruno de Simone, un bufo serio, no obeso, que no rió pero hizo reír. En el plano vocal su esmalte fue intacto, la voz imponente, robusta, de bello color, amplia y rica de armónicos, navegando con destreza y clara dicción en el canto típico del bufo rossiniano.

Como Lindoro, el tenor Francesco Meli externó toda su confianza juvenil tanto en el gesto como en el canto. Buen belcantista y gran virtuoso, conoce el arte del canto y mostró suaves medios, y una voz reforzada con variaciones, agudo luminoso y bello color y peso vocal. Don Basilio, tuvo la inconfundible presencia y buena voz extensa y bien sostenida de Marco Vinco.

El barítono Dalibor Jenis delineó un Fígaro versátil y bailador, con excelente maestría escénica y voz de buen peso. Vestida como una rubia centelleante estuvo la Rosina de Annick Massis soprano de voz clara, ligera y luminosa, que ejecutó correctamente la virtuosa coloratura rossiniana, con variaciones y adornados y sostenidos agudos.

El coro de la Arena, preparado y guiado por Marco Faelli no solo interpretó eficazmente la acción pero con el canto se convirtió en coprotagonista con el marcado movimiento escénico. La Orquesta de la Arena, dirigida por Antonio Pirolli, estuvo por momentos discreta bajo las voces, pero hizo sentir por momentos una presencia autoritaria.

Le Nozze di Figaro en el Real de Madrid.


Por Ramón Jacques
(Vía Pro Opera)

El Teatro Real de Madrid concluyó su temporada 2008-2009 con la conocida opera mozarteana Le Nozze di Figaro, la que es considerada una de las obras mas divertidas y teatrales de siempre. Para la ocasión, el teatro estrenó una nueva propuesta escénica ideada y dirigida escénicamente por Emilio Sagi, realizada en coproducción con los teatros Bilbao, Las Palmas y el Teatro Nacional de Opera y Ballet de Lituania.

Sagi, con su equipo de trabajo en el que participaron Daniel Bianco, como diseñador de las escenografías y Renata Schussheim, como creadora del vestuario, ubicaron la obra dentro de su correcto contexto histórico, logrando plasmar y delinear un ambiente típico de la Sevilla andaluza dieciochesca, con bailables flamencos, colores claros, y texturas típicas de esta región del sur de donde transcurre la acción de la obra, y con visible influencia de las pinturas del pintor Francisco de Goya.

La producción es estéticamente visual y sugestiva, con un correcto juego de luces e iluminación, y pocos elementos en escena, algo característica en las propuestas de Sagi. Particularmente, el cuarto acto que se realizó en un opulento y prodigo jardín, incluida una fuente con agua, fue encantador. La mano escénica fue cuidadosa y detallada, de divertidos movimientos y gestualidad, combinando la tradición goldiana de combinar, personajes serios y nobles, con personajes cómicos y humildes

Para esta reposición, se conformó un cast vocalmente sobresaliente y homogéneo, encabezado por el barítono Fabio Maria Capitanucci, un Fígaro de majestuosa y grata musicalidad en su timbre, muy seguro en todos los registros los registros, y que actuó el papel con justa jocosidad y gracia.

El barítono polaco Mariusz Kwiecien encarnó un Conde porte y nobleza escénica, aunque por momentos se notó algo rígido en su desempeño, pero esto nada incidió en su sobresaliente función vocal, en la que mostró afinidad por este repertorio, con su refinada y exquisita voz de amplia proyección. La soprano Eva Mei, recreó una sensible y afectiva Condesa a la que prestó una sublime línea de canto y timbre claro.

La prestación escénica y vocal de Cinzia Forte fue valiosa, dando vida a una espirituosa, afable, femenina, y muy expresiva Susanna, siempre participativa y activa en escena. Su grata voz lírica fue melodiosa, ágil y precisa, su adecuada emisión de agudos apasionante, y la de pianos conmovedora y sutil.

Ketevan Kemklideze, es una nueva mezzosoprano que aparece en el circuito operístico, recreando un correcto y adecuado Cherubino. En el resto del cast, fue un lujo contar con el tenor argentino Raúl Giménez, como el malicioso Basilio, y el legendario bajo-barítono español Carlos Chausson, como un astuto Bartolo de voz profunda. Completaron el cast , la argentina Soledad Cardoso (Barbarina), el divertido Miguel Sola (Antonio) y Enrique Viana (Don Curzio). El coro a su vez realizo un loable trabajo en cada una de sus intervenciones.

La siempre segura batuta de Jesús López Cobos, guió el espectáculo exaltando los momentos más musicales de la alegre partitura, con algunos tiempos lentos al inicio, pero cumpliendo con su cometido de poner en primer plano la música de Mozart, con cuidado y consideración por las voces.

22 agosto 2009

Carmen en San Lorenzo de El Escorial


Por Ramón Jacques
(Vía Pro Opera)

El Festival de Verano presentado en el nuevo Teatro Auditorio de la población madrileña de San Lorenzo del Escorial (construido al lado del famoso monasterio, histórica residencia de la familia real española y lugar de sepultura de los reyes de España), incluyó este año, la representación de Carmen de Bizet con puesta escénica del polémico y transgresor director de escena Calixto Bieito, que desde su primera representación en 1999 en el Festival de Peralada, España y de viajar por diversos teatros de Holanda, Bélgica e Irlanda no había sido vista en este país. A pesar de que en su momento los montajes de Bieito, como este de Carmen que fue su segundo trabajo en el genero, sorprendieron y fueron muy discutidos por la forma tan cruda con la que irrumpió en el genero operístico, mediante el uso grafico de la violencia, el alcoholismo, el sexo y la sangre, con el paso del tiempo estos parecen haber perdido algo de vigencia y poco sorprenden y ofenden ya al publico. Si bien sus conceptos dotan de realismo a lo que se ve en escena y su manejo de la ironía y el sarcasmo es constante, sutil y divertida, la exagerada violencia y escenas de violaciones contenidas en esta Carmen, carecen de sentido o justificación teatral. La acción, la trasladó a Ceuta, cerca de la base militar de España en el norte de Marruecos, donde conviven soldados españoles, con contrabandistas -en autos mercedes de segunda mano- prostitutas, aldeanos, y pocos elementos: como una cabina de teléfono, o la famosa silueta del toro de Osborne. Los artistas, miembros del coro, y solistas actuaron sus personajes con intensidad, fuerza y la crudeza dispuesta por el atrevido director de escena. Musicalmente, el director colombiano Alejandro Posada, guió a la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, y al Coro de la Comunidad, con mano segura, ofreciendo una lectura convincente en la dinámica, la armonía y en el ritmo. En su primera intervención en el papel principal, la mezzosoprano uruguaya Adriana Mastrangelo desplegó sensualidad y convicción en su desempeño actoral, cantando con grata tonalidad oscura de timbre, seguridad en todos los registros, musicalidad y encomiable dicción. El tenor Jorge de León, actuó con carácter el papel de Don José (un obsesionado, violento y sanguinario personaje en esta puesta) y desplegó una amplia proyección en su canto, de sonido brioso y firme. La soprano Emilie Pictet, prestó su cálido color de timbre, evidenciando precisión y un registro agudo preciso y seguro en su aria, y su actuación de una mujer despechada y agresiva fue notable. El papel de Escamillo, fue actuado y cantado con carácter y decoro por el barítono Marco Moncloa. El resto de los cantantes cumplió meritoriamente.


Desde Bayreuth: Siegfried

Aquí una versión de Bayreuth en 1965, con Wolfgang Windgassen y Birgit Nilsson.

Richard Wagner
SIEGFRIED

Acto 1
Acto 2
Acto 3

Siegfried - Wolfgang Windgassen
Mime - Erwin Wohlfahrt
Der Wanderer - Josef Greindl
Alberich - Gustav Neidlinger
Fafner - Kurt Bohme
Erda - Lili Chookasian
Brunnhilde - Birgit Nilsson
Waldvogel - Erika Koth

Director - Karl Böhm
Bayreuth , 1965.

La Netrebko es la imagen de Schwarzkopf (no precisamente la soprano)






21 agosto 2009

El Elixir de Donizetti, este sabado en PALCO REAL

Un repaso por grabaciones historicas y actuales, de la opera de Donizetti "Elixir de amor" es lo que escucharemos en el "Palco Real" de este sabado 22, en el programa titulado "El elixir de Donizetti a traves de la historia". El especial va a las 8pm. a traves de Filarmonia 102.7fm o por internet via www.filarmonia.org

20 agosto 2009

Referentes Wagnerianos: Hildegard Behrens (1937 - 2009)

En homenaje a la reciente fallecida Hildegard Behrens. Nacida en Varel, el 9 de febrero de 1937 y fallecida en Tokyo el 18 de agosto de 2009. Fué una soprano dramática alemana, conocida por su extenso repertorio, que incluye obras de Wagner, Weber, Mozart, Richard Strauss, y Alban Berg.

Miembro de una familia aficionada a la música. Cada uno de sus hermanos aprendió a tocar un instrumento. Ella aprendió el violín. Estudió Derecho, graduándose en la Universidad Albert Ludwig de Friburgo de Brisgovia antes de dedicarse plenamente al canto. Estudió con Ines Leuwen en la Academia de Música de Friburgo.

Debutó como Condesa en Las bodas de Fígaro en Friburgo en 1971 y al año siguiente se convirtió en un miembro de la Ópera alemana de Berlín. Allí destacó como Agathe en Der Freischütz, Giorgetta (Il tabarro) y Elsa (Lohengrin). En 1974 interpretó Katia Kabanová (en Frankfurt) y Marie (de Wozzeck, en Düsseldorf). En 1976 debutó en el Covent Garden, con Leonore (Fidelio) y ese mismo año, el 15 de octubre, en el Metropolitan Opera de Nueva York como Giorgetta.
Es destacada la interpretación que hizo de Salomé en el Festival de Salzburgo de 1977 con dirección de Herbert von Karajan. Encarnó a la Emperatriz en La mujer sin sombra en la Ópera de París (1980). Fue Brunilda en el Festival de Bayreuth de 1983, con dirección de Georg Solti.
Además de la ópera, ha cantado otras piezas vocales como la Canción de la Reina Mary de Elgar, Nuits d'été de Berlioz o Shéhérazade de Ravel.

El crítico Alan Blyth destaca de Hildegard Behrens su habilidad para "comunicar con la voz, el cuerpo y el intelecto, de manera que cada papel que interpreta se convierte en una experiencia emocional de impresionante fuerza". Rolf Fath, igualmente, señala que combina "la destreza vocal con una actuación escénica apasionada y una interpretación inteligente"

Como soprano dramática ha destacado en papeles de mujer fuerte, como son los personajes de Richard Wagner y de Richard Strauss, en los que ha destacado:
R. Strauss: Salomé, Elektra y Emperatriz en La Mujer sin sombra.
R. Wagner: Elsa (Lohengrin), Senta (El holandés errante), Isolda (Tristán e Isolda), Brunilda (La Valquiria).

Son igualmente legendarias sus interpretaciones del papel principal de Katarina Ismailova en la ópera de Dmitri Shostakóvich Lady Macbeth en el distrito de Msensk y las de Leoš Janáček: Jenufa y El caso Makropulos. Luciano Berio compuso para ella la ópera Cronaca del Luogo, estrenada en el festival de Salzurgo de 1999.

Obtuvo el premio Grammy de 1990 por la Mejor Grabación de Ópera: La Valquiria, de Richard Wagner, con la Orquesta del Metropolitan Opera y James Levine.

Falleció en Tokyo durante una gira internacional donde iba a realizar unas presentaciones. Murió de un aneurisma aórtico.



19 agosto 2009

Festival de Ópera en el CCE este miércoles 19

Este miércoles continuamos con el Festival de Opera en el CCE. La segunda fecha tendra como invitados a Enrique Ricci y Andres Veramendi. La cita es en el Centro Cultural de España a partir de las 8pm.
El programa sera transmitido en vivo via internet por www.ccelima.org

Programa
Ser cantante lírico: ¿Placer o desafío? Entrevista a cantantes líricos que nos hablarán de su experiencia nacional e internacional.
Invitados: Andrés Veramendi – tenor (Perú)
Enrique Ricci - director de orquesta (España)


INVITADOS


ENRIQUE RICCI
Director Musical


Nacido en Buenos Aires y naturalizado español, Enrique Ricci vive desde hace años en Barcelona, donde ha estado vinculado largamente con el Gran Teatre del Liceu, como pianista, director de orquesta y Consejero Artístico y Musical.
Ricci debutó en Lima junto a Luis Alva dirigiendo las primeras producciones de “L'Elisir d'Amore” e “Il Barbiere di Siviglia” hacia 1980, y luego algunos conciertos con la Orquesta Sinfónica Nacional. A partir del año 2007 inició una intensa colaboración con la asociación “Romanza” de Lima a través de dos talleres de Repertorio Lírico y una nueva producción de “Carmen” en el Teatro Segura. En el 2008 ha dirigido el Réquiem de Verdi y la ópera “Tosca”en el Teatro Segura y el primer acto de “Turandot” en una Gala a Puccini en el ZUM de la Universidad de Lima. En la presente Temporada de Ópera de Lima 2009 tendrá a su cargo “La Traviata” de Verdi.
Ha dirigido la Sinfónica Nacional de Washington DC, así como en Nueva York, Los Ángeles, Miami, Columbia y Montreal. Al frente de la Royal Philharmonic y la BBC Concert Orchestra tuvo a su cargo conciertos en Londres, Birmingham y Sheffield. Dirigió la Münchner Symphoniker y en las principales ciudades alemanas, en Suecia (Gothenburgo), Holanda (Rotterdam y Eindhoven), Austria y Polonia.
Así mismo la Filarmónica Checa, la Filarmónica Janácek, la Filarmónica Morava, la Philharmonia Hungarica, la Sinfónica de Estonia, la Orquesta del Festival de Ljubljana, la Orquesta de Cámara de Bologna, la Orquesta de la Radio Danesa en Copenhague y de la Radio Noruega en Oslo; y en Barcelona, Galicia, Euskadi, Tenerife, Málaga y Granada en España. Se ha presentado con las orquestas de Ankara y Esmirna en Turquía, con la Orquesta de la Opera Nacional de China en Beijing, con la Sinfónica de la KBS de Seúl, la Sinfónica de Singapur y la Filarmónica de Filipinas.
En Latinoamérica ha dirigido óperas y conciertos en México, Costa Rica, Venezuela, Colombia, Chile (donde fuera director titular de la Orquesta Filarmónica de Santiago), Brasil, Uruguay y Argentina; también como director de la Opera de Cámara del Colón en varias de sus giras internacionales.
Ricci ha colaborado de modo especial con el tenor José Carreras, en conciertos operísticos, megaconciertos y recitales en el Royal Albert Hall de Londres, la Arena de Verona, el Rudolfinum de Praga, la Philharmonia y el Olympiahalle de Munich, el Spektrum de Oslo, el Centro Cultural de Seúl, la Gran Sala del Pueblo y -en el pasado mes de enero- el nuevo National Centre for the Performing Arts en Pekín, el Centro para las Artes de Hong Kong, la Opera de San Diego, el Teatro Griego de Los Ángeles, el Radio City Music Hall de Nueva York, el Forum Centre de Montreal y el Teatro Colón de Buenos Aires. Ricci ha dirigido también el CD “Zarzuelas” con José Carreras y la English Chamber Orchestra.
Como pianista ha acompañado a figuras como Victoria de los Ángeles, Montserrat Caballé, Alfredo Kraus, Nicolai Gedda, Regine Crespin, Renato Bruson, Hermann Prey, Ghena Dimitrova, Nicolai Ghiaurov, Elena Obraztsova, Nicola Ghiuselev, Martina Arroyo, Jess Thomas; y más recientemente a Peter Schreier, Wolfgang Brendel, Agnes Baltsa, Karita Mattila, Francisco Araiza, Ramón Vargas, Olga Borodina, Jaume Aragall (con quien grabó también un CD al frente de la Orquesta Nacional de Andorra), y en una serie de presentaciones especiales, también a Giuseppe di Stefano.
Actualmente, Ricci es Profesor Titular de Repertorio Vocal y Estilístico y Acompañamiento Vocal en el MUSIKENE de San Sebastián, y de Repertorio Lírico en la ESMUC de Barcelona.



ANDRÉS VERAMENDI
Tenor


Es finalista del concurso internacional “Operalia” 2003 de Plácido Domingo, realizado en Suiza, Austria y Alemania, interpretando la gala concierto final con la Orquesta Sinfónica del Lago de Constance bajo la batuta del maestro Lawrence Foster en el Auditorio de Friedishafen.

En el 2004 participa como alumno activo en las Clases Magistrales impartidas por la soprano Raina Kabaivanska en el Teatro Real de Madrid. En el 2005 en Italia es seleccionado como alumno activo en los cursos de alto perfeccionamiento “Opera Studio” en la Academia Nacional de Santa Cecilia de Roma, bajo la dirección de Renata Scotto (Repertorio) Silvanna Vazzoni (Técnica Vocal) y Cesare Scarton (Escena), participando en una Gala concierto final en el Auditorio Parco de la Música.
En el 2006 canta el rol de Fernando de “Doña Francisquita” y Javier Moreno de “Luisa Fernanda” en Lima, en la Temporada de Zarzuela de “Romanza” en el Teatro Segura bajo la dirección del Maestro Pascual Osa y el Maestro Carlos Fernández de Castro.
Canta en Madrid bajo la dirección del maestro de escena Giancarlo Del Mónaco el rol protagónico de Rodolfo, de la Opera “La Bohème” de Puccini, presentada en la clausura del Curso de interpretación para la escena lírica en la Universidad de Alcalá de Henarez, siendo retransmitido en el Canal Clásico de TVE. En el 2007 debuta el rol de Don José de la ópera “Carmen” de Bizet en la Temporada de Opera de Lima, dirigido por el Maestro Enrique Ricci y la regie de Carlos Fernández de Castro.
Canta La Novena Sinfonía de Beethoven, en la Catedral de Lima, acompañado de la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú bajo la batuta del Maestro Suizo Nicolás Rauss.

En el 2008 canta el Réquiem de Verdi en Lima y debuta el rol de Mario Cavaradossi de la ópera “Tosca” de Puccini bajo la regie de la maestra Vivien Hewitt y la dirección musical del maestro Enrique Ricci. También participa en la Gala Puccini interpretando el rol de Calaf de “Turandot”. Debuta el rol de Alfredo de la ópera “La Traviata” de Verdi en el Teatro Municipal de Santiago, bajo la regie de Jean Louis Grinda y la dirección musical del maestro chileno José Luis Domínguez. Repetirá el rol, esta vez en la Temporada de Opera de Lima, dirigido por Enrique Ricci y Vivien Hewitt.
Actualmente se perfecciona con la maestra Isabel Penagos, siendo su repertorista el maestro Enrique Ricci, en Barcelona.

Una Traviata actualizada, mas no violentada


Por Gonzalo Tello (Operaperu.com)

La producción de Vivien Hewitt no deja lugar a dudas de que esta historia ocurre entre los años 20 y 30, sin embargo, salvo detalles mínimos de movimientos y costumbres de la época, esta termina siendo una dirección tradicional, y muy poco desprendida del original.

Los diseños de escenarios son muy bonitos e inspirados. La directora plantea una propuesta interesante y coherente. El punto negativo, lamentablente, son los acabados finales que desinflan la fantasía en la escenografía. Lo mismo con los vestuarios, que resultaron confusos. Al final, el éxito de una producción de este tipo reside en cuidar los mínimos detalles.

Enrique Ricci, marcó a la orquesta con tiempos contundentes y correctos, le dió apoyo necesario a los cantantes para exhibirse e imponer el drama en sus interpretaciones. La orquesta tuvo una buena interpretacion durante toda la obra.

Ina Kancheva, como Violetta posee una voz que si bien tuvo dificultades en los pasajes de coloratura más difíciles, va progresando con el paso de la obra. Se ve que la soprano búlgara le da mucha importancia a la interpretación escénica, y eso ayuda a salvar otras fallas, sobretodo los duettos con el tenor.

Jacqueline Terry es una voz que lo deja todo sobre el escenario. Durante el aria “Ah forse lui” nos muestra un gran dominio de su instrumento en todo sentido. Durante la cavaletta “sempre libera” combina de forma magistral los movimientos extasiados de su personaje, con un control total de la coloratura, incluso llevándonos al éxtasis con un mi bemol sobreagudo que desató los aplausos del público. Su “addio del passato” fue tan intenso que conmovió hasta al mas frío. Realmente un gran logro de esta soprano en un rol tan difícil, que hizo suyo de pies a cabeza.

Carlos Duarte ha cantado personajes heroicos como Pollione, Manrico, Calaf, etc. Quizá ese tipo de canto haya influido en su deficiente Alfredo. La voz sonaba cansada y afónica; potente, pero carente de matices que sí necesita el personaje. Solo mejoró en el terzetto al final de la ópera.

Para Andrés Veramendi, el papel de Alfredo es uno que le queda como anillo al dedo y me atrevo a decir que es el mejor que ha cantado de protagónico en los últimos años en Lima. Sus emisiones son claras, y sus pianos en ciertos pasajes son bien controlados. Por momentos desborda el teatro con su potencia. También cabe destacar su evolución en la parte teatral, la cual tiene momentos interesantes.

Giuseppe Altomare entra con la finura de un canto asentado y en extremo lírico. Nunca forzando la voz y matizando durante todo su dúo con Violetta. En pocas palabras, un Germont redondo y justamente ovacionado.

La voz de Karoly Szemeredy es un gran descubrimiento. Su Germont durante el duo con Violetta fue algo frío y bastante inseguro, incluso calando muchas notas. Sin embargo mejoró durante el aria “Di provenza”. Durante el último acto escuchamos un color y potencia que hacen pensar en un gran futuro para el barítono de 29 años, que en Lima da inicio a su promisoria carrera.

El Coro Ciudad de Lima ha demostrado sus posibilidades como gran conjunto. La "independencia" teatral de cada miembro vuelve otra vez a hacernos olvidar las producciones acartonadas, y en buena hora. Sin embargo, necesita seguir trabajando para lograr un sonido parejo, que le permita ser una sola emisión que pueda matizar y jugar con los volúmenes sonoros. También debe insistir en la correcta pronunciación del idioma, algo que no hace mal, pero podría mejorar.

El doctor Grenvil de Carlos Martinez fue uno de voz trascendente, pura y agradable, pese a lo reducido del papel. La Annina de Ana Mamani fue impecable en todo aspecto, gran voz y muy capaz escénicamente. El Douphol de Xavier Fernández para aplaudir, pues demuestra intensidad dramática y una voz adecuada.